投稿者: shoheiiida

職人のごとく、自身の手を動かしながら、モノのあるべき形を探り出していくデザイナー、吉行良平。独自のアプローチは、なにをきっかけに生まれたのか。

大阪城の南、天王寺の住宅街にある吉行良平のアトリエを訪ねると、そこには無数の素材や模型サンプルと加工工作機械が並んでおり、町工場さながらの様相を呈している。

「デザイナーの事務所って、もっと整理されていて、洗練されたおしゃれなイメージですよね。でも、僕は自分で手を動かしながら、モノを作らないと考えられないタイプ。だから、働く場所もこうした環境に自然となっていきました」

製造会社や職人との協働した家具や日用品の設計を中心に、オリジナルプロダクトの開発も同時に行う吉行良平。どことなく人懐っこくて身近に感じる存在ながら、不思議な個性も兼ね備え一度見ると忘れられない。そんな印象が、吉行のデザインにはある。

10代の頃は、華やかなデザインの世界に夢を抱きつつも、目の前に次々に現れるデザインプロダクトがどういったプロセスを経て形づくられているのか、その背後では何が起こっているのか、気になって仕方がなかったという吉行。ものづくりや職人技への憧れから、大学で金属工芸を専攻後、交換留学でフィンランドに渡り、木工技術を学んだ。

「学校の授業で数年間体験した程度のつたない技術力では、理想の形をつくることは到底できません。でも、完璧じゃないからこそ、もっと作りたいという気持ちも湧いてくる。そうやって手を動かし続けているうちに、素材や加工の特性が自ずと見えてきて、これはこのようにしかできないんじゃないかとという方法論が生まれ、形が自然に導かれていくような気がしたんです」

その後、オランダのデザインアカデミー・アイントホーフェン在学中より、デザイナーのアーノウト・フィッサーのアシスタントを務めたことをきっかけに、吉行のデザインの意識はさらに確固たるものになっていく。

「アーノウトは失読症ということもあって、言葉だけによる説明をとにかく嫌う人でした。デザインの手法を整理して伝える程度では納得せず、形づくって見せない限りは『お前のアイデアじゃない』と一蹴されるほど。だからこそ、より実証的なものづくりに専念するようになっていきました」

好きな形には、必ず理由がある。作業着としてずっと使っているグンゼのU首Tシャツは、なぜ魅力的に映るのか。思考を巡らせながら、手元にあった紐を両手で掴み目の前に垂らしてみると、ちょうどU首と同じような弧を描き、それが重力を形で表したものだと納得した。

「後日調べてみたら、実は着物を着た時、合わせから下着がはみ出さないようにと工夫されたものらしいですが、ゆるく垂れ下がった形が心地よく思えることに変わりはないですからね」

自らの手で素材に触れ、試行錯誤を重ねているうちに、自然に形が立ち上がってくる。ゼロからデザインを創造して加えていくのではなく、素材やプロセス、状況のなかからデザインの可能性を探し出す「Form Finder」という呼び名が、現在の自分にはぴったりくると語る。

4年前に子供が生まれ、子育てというフェーズが生活に加わった吉行。アトリエに子供がやってくることから、機械で木を切ったり、削ったりすることもままならないという。

「その代わりに手元で小さな木を削ったり、ボックスをつくったりと、細かな作業をする機会が増えました。スケッチも以前よりもたくさん描いているかもしれません。これはこれで、新しい視点が加わったような気がして楽しいです」

今後も、より身近な視点と感覚から、新しいデザインを探り出していくことだろう。

見慣れた風景のなかにある何気ない存在を、美しい表現へと昇華していくアーティスト、小林且典。彫刻、写真、水彩と、複数のメディアを行き来しながら創作を続けるその理由を探る。

小林且典の作品は、一言ではうまく言い表せない不思議な力をまとっている。モチーフにしているのは、複雑な稜線を描く山並み、滑らかなカーブを纏う壺など、身近な環境のなかで頻繁に目にするものばかり。小林がオブジェクトを単体で表現していくのだが、作品を見ているとその細やかなディテールと力強い存在に惹きつけられ、周りにある空気までもが動き出すような感覚がある。

小林は、美術大学で彫刻を専攻。大学院まで進み、さらに彫刻の研鑽を積むために政府給費留学生としてイタリアに渡った。

「イタリアの学生たちと肩を並べて創作し始めたときは、自分は圧倒的にデッサン力が高く、レベルも上回っていると思っていました。しかし、完成した作品を見て愕然。彼らの作品は、それぞれに内部から訴えてくるものがあり、個性的でとても力強いもの。いままで自分がいかにテクニックに頼り、近視的にしか物事を見ていなかったかを思い知りました」

さらに小林の心を大きく開いたのが、イタリアの画家、ジョルジョ・モランディ（1890～1964）の作品だ。

「個展会場だったミラノのヴィッラ・レアーレ（ミラノ市立美術館）は、元伯爵邸。そのなかにA4サイズほどの額がぽつんと飾られているだけ。とても小さな作品なのに、豪華な大空間を凌駕するエネルギーを感じて、『これはタダモノじゃない』と直感したんです」

制作に集中すると手元ばかりを見てしまい、周りが見えなくなる。気持ちが入りすぎない良い心のバランスを取るために小林が始めたのが、自身の彫刻作品を写真に収めることだった。

「作品を別の作品のなかに取り入れてみると、そこに新たな対話がはじまる。重い金属を扱う鋳造彫刻は肉体労働で制作時間も数ヶ月と長い。一方、写真は瞬間の光を捉えるもの。体の使い方も頭の使い方もまったく違うメディアを扱うことで、別の視点が生まれ、より自分をリアルに感じることができるんです。だから、好きなものを創り、空間に並べ、その風景のなかで過ごしたいと思うようになりました」

その後、水彩も追加。現在は一年を3つのピリオドに分け、春に水彩、夏に写真、秋と冬は鋳造彫刻という流れができたことで、無心に作りつづけることができるようになったという。

「生きていくためにはきちんと展覧会を開いたり、発表の機会ももちろん大切。でも、僕自身はとにかく制作できていれば幸せ。制作している最中は、基本的に作品に誰も触れてほしくないから、完成するまで一人きり。そうすることで、ようやく自分自身でいられるような気がするんです」

小林の作品と対峙したときに感じるエネルギーは、創作と真摯に向き合う態度であり、素直な一人の人間の生き様そのものなのかもしれない。

服部滋樹が代表を務める、大阪のクリエイティブユニット、graf。建築、インテリアを軸に、近年では、ブランディングや地域再生まで、実に幅広いプロジェクトに関わっている。そんなgrafが中之島にあるオフィスの2階部分を改装。宿泊も可能なギャラリースペース「graf porch（グラフポーチ）」としてさまざまなプログラムを行なっている。

その一つに、アーティストを空間に招き入れ、滞在しながら制作を行う、アーティスト・イン・レジデンスがあるが、その第２弾として、アーティスト、和泉侃の展覧会「匂いの焦点」がスタートする。

「感覚の蘇生」をテーマに、匂いを通じて、意識のなかに眠るさまざまな感性を呼び起こすことに挑戦してきた和泉。本展では匂いの捉え方と物質の輪郭を探究。淡路島のアトリエ「胚」でつくった新作〈0〉とともに、3つのインスタレーションを発表する。

日常のすぐ身近なところに存在しながらも、目には見えないためあいまいに感じている匂いを、展示を通して新たに体感として置換。物質から具体的な要素を抽出していくことで、輪郭をはっきりと浮かび上がらせながら、鑑賞者の感性を刺激していく。

インスタレーションのほか、会場では和泉がこれまでに手がけたオリジナルプロダクトや、デザイン監修をおこなったスキンケアアイテムやルームフレグランスなども販売。また、和泉が関わる「D.W.M.」「RauB」「SOJYU」「sunao」の4ブランドから19アイテムが体験できる特別宿泊プランも用意されている。

子ども時代に「児童館」で遊んだ記憶がある人も多いだろう。健全な遊び、情操教育という理念をもとに生まれた公共の施設は、放課後に安全、安心な時間が過ごせる場所であったことには間違いはないが、そこでどれほどワクワクした体験を得たかというのはなかなか難しい。

東京の代官山ティーンズ・クリエイティブは、渋谷区が所管する公設の青少年施設ながら、独自の運営手法により自由でクリエイティブな体験ができると注目を集めている場所だ。

「子どもだから、大人だからという既成概念にとらわれず、日常の生活の延長線上にあるような居心地の良い場所であることを目指しています」

そう語るのは、施設スタッフの岡磨理絵さん。代官山ティーンズ・クリエイティブは、対象年齢が小学1年生から25歳までと幅広く、小さな子どもと高校生や大学生が普通にやりとりしている姿も日常的に見られる。また、渋谷区の施設ながら、区外の人でも利用できるため、違うエリアの学校に通う人とも知り合いになれる。

「年齢や地域はもちろんですが、さまざまに 違う人たちがここで出会い、交流していく。ここでは人と違うことが目立たないというか、違っていることが当たり前という感覚があるかもしれません」

障害も肌の色もここでは個性の一つ。それを特別囃し立てたり、蔑視するような感覚が代官山ティーンズ・クリエイティブには存在しないようだ。

こうした基盤を支えているのが、平日に開催される「ミート・ザ・クリエイターズ」というコンテンツだ。ダンス、アート、書道、ヘアメイク、音楽、料理など、各分野の第一線で活躍するプロが滞在。無料のワークショップや意見交換会を楽しむ時間が、なんと日替わりで用意されている。さらに、週末に開催される「アートスクール」というコンテンツも含め、新しい出会いを通じて、自分の将来の夢を思い描き始める子どもも多く、卒業生のなかにはプロとして活躍をはじめたアーティストもいるという。

学校や家庭だけでは教えられないこと。それは子どもが自分で考え、自力で道を切り拓き、進んでいく姿かもしれない。

「なにもない、ゼロから作り出すことがクリエイティブであり、それこそが人間が持つ最大の力のような気がします」

未来を創り上げる子どもたちのために、岡さんをはじめとする代官山ティーンズ・クリエイティブのスタッフたちは、より刺激的なプログラムを用意していきたいと語る。

クヌギの葉を見事な造形へと展開するアーティスト、渡邊義紘。彼の作品集『ORIHA』の撮影を手がけたフォトグラファー、白木世志一は、どのような姿勢でORIHAと向き合い、何を感じながらシャッターを切ったのか。

「義紘くんの作品と出合ったのは、10年ほど前のこと。精巧な技はもちろんですが、一枚の落ち葉がこれほどまで生命に満ち溢れた存在に形を変えられる事実に素直に感動。その健やかな佇まいにすっかり心を奪われました」

　クヌギの葉を巧みに折り曲げ、身近な動物の姿に変えていくアーティスト、渡邊義紘の作品「ORIHA」シリーズ。作品のディテールをじっくり見ていると、葉の表面にうっすら浮かび上がる葉脈がまるで動物の骨格や血管のようにさえ見えてくる。フォトグラファーとして独立したばかりだった白木世志一は、自身のポートフォリオづくりの一貫として作家に相談して、自主的に作品撮りを行った。

そこから10年。ずっと親交を重ねてきた作家家族から作品集づくりの依頼を受け、白木はあらためて渡邊の作品と向かい合った。

「色やフォーカスの調整により、いかようにも工夫して写真を撮ることはできます。でも、今回はカメラマンとしての個性を前面に押し出さないように気をつけました。自然の葉を用いた作品には、微妙に皺がよっていたり、ときに穴が空いているものもあります。素材のありのままの質感こそが作品の魅力でもあるので、写真で余計な細工をしてはいけないと思ったんです」

　一度役目を終えた自然物に、渡邊義紘が新たな命を再び与えた。そんなことを脳裏で想像しながら、単なる静物写真にはならないように、温かみのあるものとして撮影を続けた。

　作品集には、ORIHAの数々とともに、アーティストの日常風景を撮影したものも掲載されている。

「無垢に作品をつくり続ける義紘くん、そしてそれを傍でずっと見守っているご家族。その様子を見ていると、平凡であることの楽しさ、幸せが見えてくる。今回の撮影では、プロのフォトグラファーとしての視点というよりは、その風景をたまたま見た傍観者としての感覚でいたような気がします」

写真はときに、物事の背景にある事実を如実に映し出すと言われる。しかし、白木がこの作品集に込めたのは、決してドラマティックでもシリアスでもない、ありのままの状況を表現すること。白木は、改めて写真が、「そっと寄り添う存在」であることにも気づいたという。

「渋谷の若者」が持つポテンシャルとは。自由な思考、発想をうながすワークショップから生まれた表現を体感できるイベントが代官山でスタートした。

自身が持つ無限の可能性に、子どもたちはどのように気付き、開花させていくのか。そんなきっかけづくりをしているのが、渋谷区に在住、在学する小学生～18歳以下を中心に、25歳までの学生を対象としたさまざまなワークショップを開催する「代官山ティーンズクリエイティブ」だ。この活動では、各分野のクリエイターと交流を中心に、参加者が自発的に可能性を見出し、自身の未来を切り開いていくことを目指し、アートスクールをはじめとした、多様な取り組みに挑んでいる。

その活動内容を広く一般に知ってもらうイベントが、現在開催中の「DTC CREATIVE SESSION 2022」。今回は、メインビジュアルを小学生のカワムラスオ、ロゴデザインを中学生の河原凜が担当。 “ラブレター”をテーマに、子どもたちの熱い思いを、形にして発表していく。

イギリスのティーンと取り組む建築プログラムをはじめ、フリースタイルのパフォーマンス、映像作品、サウンドインスタレーションなど、オリジナリティあふれる作品群が会場に並ぶほか、現場で活躍するクリエイターによる音楽、アート、ダンスのワークショップも開催。また、時流を鑑み、会場に気軽に足を運べない人、遠方に住む人でも気軽に参加できるようにと、オンラインイベントもいくつか用意している。

本展は誰でも来場可能。10年後、20年後の世界を切り開くかもしれない、現在のリアルな表現を体感してみてほしい。

東京を拠点に、国内外で多彩なデザインプロジェクトを手がけるグエナエル・ニコラ。新プロジェクト〈TEN TEN TEN〉のシンプルな形に込めた、プロダクトの価値とデザインの可能性とは。

　研ぎ澄まされた感覚と泉のように生まれるアイデアを巧みに紡ぎ、世界のラグジュアリーブランドや高級ホテルのインテリアから、家具、そして香水のボトルにいたるまで、グエナエル・ニコラの活動はとどまるところを知らない。

　あるマンションのリノベーションプロジェクトでは、空間のみならず、そこに置かれるさまざまなアイテムも一つひとつデザイン。そのなかから生まれたのがこの〈TEN TEN TEN〉だ。

「通常ならば、特定の機能や目的に沿うかたちでデザインを整えていくのですが、このプロジェクトでは、すべてのアイテムを同じ概念から発展させることからスタートしました」

　京都・西陣織の老舗「細尾」を筆頭に、日本のものづくりの骨幹を支えるトップの職人、メーカーと協業し、完成した12のアイテム。コップ、茶筒、茶びつ、ワインクーラーなど、それぞれ異なる機能、役割を持つプロダクトが、すべて同じ70度に傾斜した円筒形で統一されている。

この傾斜角は、ものと対峙したときに、無理して覗き込もうとせずとも、自然に中身が見える角度。ものと人との関わり方を意識した、もてなしの気持ちの表れとも呼べる形だ。

既成概念から大胆に逸脱しながらも、素材の特性やものづくりのプロセスを新たな視点から再検討。個々のプロダクトに関連を持たせつつ、インテリアと融合する美しい風景を作り出していった。

　一旦完成に辿り着いたプランだが、グエナエル・ニコラは手を緩めることなく、さらにアイデアを拡張。各メーカーと話し合いを重ねながら、一般にも販売可能なプロダクトとしてプロジェクトを継続することとなった。その第一弾として、3月4日に、ガラスメーカーのSghrスガハラからグラスセットが販売となる。

「これまではクライアントから依頼を受けてデザインを考えることが当たり前でしたが、デザインをサービスのように提供するだけでは不十分。クライアントととともに歩み、好奇心を掻き立て合うことで、より刺激的な時代を作り出すことができる。この〈TEN TEN TEN〉では、一つのデザインソースを多様に活用しながら、これまでにない新しいプロダクト、そして感覚が生まれることを目指したいです」

　今後も多様なメーカーや職人とコラボレーションを重ね、さらに多くのコレクションを発表したいと考えている。